I. Datos del Texto
Título: Método Dalcroze. En “Didáctica de la música”.
Autor: Pilar Pascual Año: 2002 Editorial: Pearson, Madrid, España
Capítulo: 5.





II. Resumen.

Para el autor de este método, Emile Jacques Dalcroze, el Hombre se debe considerar con todas sus facultades, por lo tanto, no sólo se debe estimular en el área musical. Dalcroze comenzó con la innovación del método en el sorfeo en la Academia de música de Ginebra (1892), su objetivo era formar la audición y tenía la concepción de que un intérprete no sólo debía ser brillante. Su método influenció a toda Europa y Estados Unidos y se desarrollaron diversas versiones.

El método Dalcroze, tiene como elemento principal enseñar la educación musical mediante el movimiento, el ritmo y la danza. Dalcroze denominó su método “Rítmica o Gimnasia Rítmica”, la cual considera el cuerpo como intermediario entre el sonido, pensamiento y sentimientos. La Gimnasia Rítmica favorece el desarrollo de la motricidad (percepción, expresión corporal), la capacidad de pensar y el poder de expresión.

Los fundamentos pedagógicos del método, se basan en la concepción de que la educación musical debe ser obligatoria en la escuela y no un privilegio de pocos.
La Gimnasia Rítmica conlleva a que el niño se conozca como instrumento de percusión rítmica, impulsa a desarrollar el autodominio y la eficacia de la acción y la expresión emocional.

Dalcroze identificó carencias en los estudios musicales, en tres niveles:
1. Existen lagunas en la educación musical: En los métodos contemporáneos a Dalcroze, faltaba desarrollarse el oído y los sentidos melódicos, tonal y armónico, pues las escuelas de músicas perseguían un adiestramiento y no un verdadero desarrollo de aptitudes musicales.
2. Identificó lagunas en las interpretaciones de los futuros músicos profesionales: Dalcroze distinguió en los alumnos de música un defecto que lo denominó “arritmia musical”, es decir, una falta de coordinación entre la concepción del movimiento y su realización y la calificó en tres categorías: A nivel de emisión, a nivel de transmisión y a nivel de ejecución.

Para mejorar estas carencias propone mejorar la flexibilidad muscular y la precisión, desarrollar la comprensión y disminuir los tiempos de respuestas y mejorar el control, eliminando movimientos inútiles.

3. Reconoció carencias en las aptitudes de los primeros alumnos de Rítmica: Los defectos en la Gimnasia rítmica se deben a defectos del cuerpo en general, por eso es relevante deshacer los malos hábitos motrices desde niños, porque cuando son adultos es más difícil.

Pasando a otro punto, la Gimnasia Rítmica educa el sentido rítmico- muscular del cuerpo para regular la coordinación del movimiento con el ritmo para que se trabaje simultáneamente la atención, la inteligencia y la sensibilidad.

La Rítmica también se caracteriza por:
• El desarrollo del oído musical, los sentidos melódicos, tonal y armónico a través del sentido muscular.
• El cuerpo puede ser el medio de representación de cualquier elemento musical del ritmo, la melodía, la dinámica, la armonía y la forma.
• Destaca el concepto del ritmo como base del solfeo.
• Apela constantemente al esfuerzo personal.

Dalcroze elaboró una tipología de ejercicios, presentados en el libro, en función de lo que persigue la Rítmica:
1. Lograr que el niño tome conciencia de sus propias fuerzas así como de las resistencias que se le oponen a su organismo: Se debe desarrollar el sentido muscular para que el niño tome conciencia de sus posibilidades y resistencias, para eso el infante debe liberar sus movimientos para que sirvan con perfección al pensamiento, a la orden del cerebro.
2. Dar flexibilidad y perfeccionar los medios físicos: Se logra mediante una serie de movimientos que ponen en juego los músculos, las articulaciones y aseguran rapidez y seguridad de reflejos.
3. Desarrollar el sentido de equilibrio del cuerpo, para que asegure soltura y elasticidad de movimientos: Se desarrolla mediante la interpretación de distintos ritmos, como por ejemplo el pasar bruscamente de una marcha a un movimiento lento.
4. Desarrollar el sentido intuitivo de la distancia y una acomodación instintiva de la acción y los movimientos en el espacio, de forma individual y colectiva: líneas, corros, puentes y caracoles, parejas, paseos y cadenas. La percepción espacio-temporal se inicia del yo, después el yo y los otros y finalmente las nociones espacio-temporales.

Siguiendo con las habilidades que desarrolla este método, pasamos al punto de la educación del oído. El método desarrolla la función auditiva y el análisis de los sentidos rítmicos, tonal, melódico y armónico a través del ya nombrado sentido muscular.
En la educación auditiva persigue crear la audición interior, estimular la lectura a primera vista y trabajar la notación y la teoría.

Para desarrollar el oído melódico propone ejercicios , como por ejemplo, para discriminar frases musicales con cadencia conclusiva.

El método también trabaja la discriminación de timbres, escuchando diferentes timbres de instrumentos escolares.

Otro aspecto que desarrolla el enfoque es el reconocimiento de los intervalos, para eso trabaja la apreciación de las modulaciones y la construcción armónica mediante el ejercicio del estudio de policordios y de la escala de do a do’.

Se destaca que Dalcroze concibe el sorfeo como un despertar de los grados y las relaciones de altura entre los sonidos y la facultad de reconocimiento de timbres.

También es importante mencionar que en la Gimnasia Rítmica de Dalcroze, el instrumento principal es el piano, en el cual el rítmico improvisa sus ejercicios a los alumnos, y porque es un instrumento melódico que subraya las propiedades elásticas del cuerpo en movimiento; y polifónico, que saca a la luz la totalidad compleja de la relación espacial.

Los materiales educativos que demanda esta metodología son instrumentos musicales, materiales propios de la educación psicomotriz y grabaciones
musicales con músicas variadas.

Por último, respecto a la aplicación en el contexto escolar, este método a pesar de ser de comienzos del siglo pasado, sigue vigente en la realidad, sobre todo para la lectoescritura. Este método puede aplicarse desde antes de los seis años. También se puede desarrollar en distintos campos educativos tales como con ciegos, sordos y disminuidos psíquicos y actualmente es de gran aplicación en minusválidos sensoriales, mentales y motóricos.

En síntesis, la Rítmica no sólo se enfoca en la expresión corporal sino también en el lenguaje musical y para eso la aplicación del método exige preparación del profesorado y condiciones apropiadas como una determinada aula, cierto número de alumnos, materiales, entre otros.

III.Breve Comentario Personal.

Daniela Urzúa: Me llama la atención la manera en que se emplea el cuerpo para la expresión musical, pues considera al cuerpo como un medio central para expresar movimiento y danza y por ende el sujeto desarrolla el autodominio, la eficacia de la acción y la expresión musical. Es decir considera al ser humano como un ser integral que debe ser potenciado no sólo en la expresión musical.

Camila Báez: Lo que más destaco es la última parte, pues este método, el mismo Dalcroze lo implementó en niños con necesidades educativas especiales, incluso en sordos que se podría pensar que enseñarles música es un desafío poco abordable. Lo que también encuentro importante es la metodología en sí, la cual es innovadora pues no sólo desarrolla la habilidad musical sino que considera relevante emplear el cuerpo, expresar emociones y desarrollar habilidades motrices.

I. Datos del Texto.

Título: El método Kodály
Autor: Pilar Pascual
Año: 2002
Editorial Pearson
Capítulo 6

II. Resumen



Kodály junto a Bartok hicieron una renovación lingüística del canto popular y un estudio del patrimonio folklórico húngaro. El esfuerzo por mejorar la cultura musical del país se refleja en la gran vida musical de la sociedad húngara, el método ha influenciado en que el país sea un importante centro musical visitado por profesores de otros países. La obra de Kodály tiene un carácter nacional, pero ha sido difundida en Europa y Estados Unidos.
Como elemento principal destaca el canto, se trata de desarrollar el oído a través del canto. La voz humana es accesible para todos y es el instrumento más perfecto y bello. El método se fundamenta en el canto coral, basado en el sistema pentatónico. Las principales líneas pedagógicas del método están en “Las corales infantiles”, son trece aspectos que se señalan. Estos deben entenderse desde el contexto histórico y en el marco del nacionalismo musical, en especial el punto que señala que la música tradicional húngara debe ser como la lengua materna musical del niño. Y una vez que esta se domina se debe introducir la música extranjera.
El método ha desarrollado toda la estructura musical de la enseñanza musical en Hungría, tanto para la enseñanza obligatoria (parvulario, primaria y secundaria), como para la no obligatoria (preparatorio, conservatorios especializados y universidad). Además, el método exige formación en el profesorado.
Para Kodály el analfabetismo musical consiste en no saber leer ni escribir música, de esta manera el método se centra en favorecer la adquisición del lenguaje musical y entonación.
El xilófono sirve para acompañar marchas rítmicas de niños pequeños, tiene una escala pentatónica que favorece su interpretación por los niños y profesores. A diferencia del piano de Dalcroze. Otros instrumentos utilizados son la flauta dulce, tambores, triángulos y otros de percusión.
La metodología debe comenzar en el hogar aprendiendo canciones y juegos musicales. En la escuela infantil (jardín) aprenden canciones de oído y se enseñan primeros elementos musicales. Por otro lado, en la escuela primaria se aprende lectura y escritura musical.

En cuanto al solfeo silábico tiene como antecedente el sistema de varilla móvil, el que tenía una nota suelta en el extremo de una varilla móvil y con ella el docente indicaba un fraseo musical desplazando la varilla a lo largo de un pentagrama en blanco.
El solfeo absoluto es la capacidad de cantar cualquier melodía, sitúa las notas siempre en el mismo lugar independiente de cambios de tonalidad. En el solfeo relativo todas las escalas mayores y menores tienen un mismo orden de todos los tonos y semitonos, cambia las notas según la tonalidad, por lo que supone aprender sin clave ni tonalidad previa. Se pospone el solfeo absoluto al solfeo relativo. El sistema absoluto se escribe en nomenclatua griega y el relativo en latina.
En el método, las manos tienen múltiples empleos, se conoce como fononimia. Además, la mano del profesor puede introducir a los alumnos con las líneas y espacios del pentagrama. La fononimia es un sistema de canto en que se lee a través de signos manuales, por lo que se prescinde de la lectura desde el pentagrama. El objetivo principal es educar al niño en una afinación interna auditiva correcta, el resultado de la afinación y entonación es un reflejo del grado de asimilación de su propia sensación interna, por lo que el profesor hará ejercicios fononímicos prácticos (el niño al ver la mano emitirá el sonido correspondiente a la nota).
Respecto a la pentafonía, es el uso de material musical pentatónico. Este sistema supone el uso de cinco notas de la escala, en la pentafonía está basado la mayoría del folklore Húngaro, lo cual facilita el aprendizaje.
Los distintos elementos del método tienen el objetivo de facilitar la lectura y escritura musical, con el lenguaje musical se acabará en analfabetismo musical. Los elementos específicos se abordan a través de la forma, que persigue educar al niño para expresar con inteligencia las ideas musicales; la armonía, presente en la interpretación de canciones a dos o más voces y en el canto polifónico; el transporte, a través del solfeo relativo se le enseña al niño a colocar sonidos en el pentagrama en distintos lugares según posición del do.; la lectoescritura, la escritura y lectura musical se realizan a la par y no deben ausentarse en ninguna clase, además son frecuentes los dictados musicales.
Entre los materiales, además de la voz el método usa pizarra y pentagrama magnético con sus elementos necesarios, palote y notas magnéticas. Instrumentos de percusión y melódicos. Cartones.
En cuanto a la aplicación escolar del método es posible decir que es una metodología muy difundida internacionalmente, se puede aplicar en un amplio abanico de espacios educativos. Sin embargo, para el autor el más importante es la escuela, ya que sobre esta base se aplican las enseñanzas posteriores. El método también se aplica en adultos y en la formación de coros.
Pese a que la mayoría de los profesores conoce los aspectos básicos del método, se requiere de una amplia preparación didáctica y musical.

III. Breve Comentario Personal.

Daniela: Respecto a la lectura realizada de este método me parece muy positivo el rescate que hace Kodály de la música popular de Hungría, la revaloración que esta toma gracias a la intervención de este músico que repercute hasta nuestros días. Además, considero relevante la importancia que se le da a la voz al considerarla como instrumento. Me gustó el uso de las manos en la fononimia, ya que así a través del cuerpo es posible alcanzar los aprendizajes esperados por el docente.
Camila: Encuentro interesante el rescate que hace Kodály al folklore nacional y la enseñanza de las canciones populares a los niños, así como se considera que el lenguaje musical es como la lengua materna de los niños. Además, creo que es muy acertiva la importancia que se le da a la voz en este método y los distintos elementos que lo componen.

Título: “El método Orff”
Autor: Pascual, Pilar
Año: 2002
Editorial: Pearson. Madrid, España
Capítulo: 9

II. Resumen.
Orff creó un sistema educativo musical al que dotó de propuestas pedagógicas para estimular la evolución musical de los niños y desarrollar su sentido rítmico, la improvisación de sonidos y movimientos como forma de expresión personal. Este método es activo, ya que considera que en la enseñanza musical el niño participa, interpreta y crea. Además, su importancia radica en la difusión de sus instrumentos escolares.

El elemento principal: los términos palabra, música y movimiento expresan la base de este método. Para llevar a cabo la metodología se utiliza el cuerpo como instrumento.

Fundamentación pedagógica: Orff no tuvo la intención de crear un método pedagógico musical, sino que proponer sugerencias. La propuesta se caracteriza por: descubrimiento de posibilidades sonoras del propio cuerpo, utilización de canciones pentatónicas, calidad y color de los instrumentos Orff, la voz como instrumento más importante, al alumno se le invita a hacer música, prioridad del ritmo (del cuerpo y biológico), variedad de elementos, importancia a la lengua materna y palabra para introducir ritmos.

El cuerpo como instrumento: el cuerpo está dotado de características tímbricas diversas. Los instrumentos corporales se les llama gestos sonoros, estos son movimientos del cuerpo que producen sonidos y no requieren de coordinación muy precisa. Los gestos sonoros presentan distintas posibilidades didácticas.

Ritmo y palabra: Orff emplea el lenguaje y las palabras como medio de acceder al ritmo. Se trabaja con recitados que consisten en nombres y pregones, series de palabras, rimas infantiles de sorteo, rimas infantiles en forma de pregunta y respuesta, hechicerías, adivinanzas, entre otras.

La melodía: las melodías se basan en canciones populares de niños y de danza centroeuropea. El proceso para presentar una melodía es: recitados rítmicos y/o rítmicos verbales acompañados con instrumentos naturales; crea una melodía; se añaden sencillos patrones melódicos con la voz e instrumentos.
La escala pentatónica o de cinco sonidos permite la improvisación y creación musical. La progresión melódica consiste en una secuencia lógica (se asimila una nota nueva cada vez). Por lo que aparecen tipos de escala: bitónica, tritónica, tetratónica, folklórica, pentatónica, hexátona, heptatónica. Además Orff permite abordar las escalas diatónicas.

Las formas musicales:
a) Eco: repetición del fragmento inmediatamente anterior. Esta forma debe trabajarse desde el inicio de la educación musical, es un recurso para el aprendizaje imitativo y para dar agilidad al material sonoro aprendido.
b) Ostinato: fragmentos que se repiten obstinadamente. Son una herramienta para el desarrollo del sentido rítmico e introducción de la polirritmia. Además son el primer paso para formar en la armonía.
c) Canon: Composición polifónica por imitación. Los ostinatos pasan a ser melódicos.

La improvisación musical: una de las metas para Orff en la educación musical es el desarrollo en la creatividad del alumno, manifestada en la improvisación, la cual puede ser: tocar y/o cantar melodías con un fondo en ostinato, completar melodías inacabadas, añadir acompañamientos. La secuenciación es: improvisación rítmica, improvisación melódica, improvisación armónica e improvisaciones de movimientos.

La improvisación rítmica: primero se realizan con el cuerpo como instrumento y marcando el pulso a dos, cuatro, ocho y progresivamente incluyendo corcheas y otras duraciones. Se incluye variedad de combinaciones que favorecen la creación musical y expresión rítmica libre. Antes de que el niño invente ecos rítmicos debe estar seguro de los que repite. Otras formas son preguntas y respuestas, lied y rondós (rítmicos y melódicos). También inventar un ritmo para un texto o preguntas y respuestas rítmicas.

La improvisación melódica: se utiliza la escala pentatónica de do, evitando los semitonos de la escala diatónica y favorece que las creaciones siempre suenen bien. El proceso es semejante al anterior, es decir, ecos, preguntas y respuestas, lied y rondó.
La improvisación armónica: el recurso son los instrumentos de percusión afinada y la viola de gamba.
Materiales: instrumentos musicales creados especialmente para la enseñanza de la música, para sus inventores son una prolongación del habla del niño, su canto y movimiento. Fueron creados porque son fáciles de tocar, tienen agradables colores y timbres, la versatilidad para expresar ideas musicales, estimulan la danza e improvisación. Sus cualidades tonales son similares a las características psicológicas de los niños.
Se pueden distinguir:
-Los de pequeña percusión, entre los que están los de metal (platillos, crótalos, cascabeles, triángulo, maracas, gong). Los de madera (caja china, castañuelas, claves, temple block). Los de membrana (tambor, timbales, pandero, pandereta, bongós).

-Instrumentos de láminas o de placas, estas láminas pueden moverse según la tonalidad o modo pentatónico en el que nos
manejemos. El xilófono o metalófono generan distintos sonidos según el movimiento de brazos, muñecas y por las baquetas.
-Instrumentos de viento son la flauta de pico o dulce.
-Instrumentos de cuerda (guitarra, violonchelo y viola de gamba).
Además, es necesaria una grabadora para registrar el trabajo de los niños.
Aplicación escolar: el método Orff tiene vigencia actualmente porque los instrumentos son fáciles de tocar, afinados y en conjunto generan una calidad tonal equilibrada. La orquesta escolar es un excelente medio de socialización, favorece el trabajo cooperativo y la participación activa del estudiante.
Las rimas, canciones y refranes populares son un bien que se debe conservar pues forman parte del bagaje cultural del sujeto y de su educación musical. Además, el método funciona en todos los niveles educativos.
Son de gran aplicación las actividades integradas que se relacionan con el lenguaje, canto y dramatización; actividades de canto con improvisación gestual o rítmica con gestos sonoros; utilización del cancionero de folklore e interpretación de danzas tradicionales.
Los instrumentos son empleados en musicoterapia, considerados objetos intermedios entre el sujeto y musicoterapeuta.
En los niveles se trabajará progresivamente con los instrumentos corporales, los de pequeña percusión, los de láminas y la flauta de pico o flauta dulce.
Finalmente, las enseñanzas de Orff están en constante desarrollo y revisión, se han creado otros métodos adaptados a los contextos geográficos.

III. Breve Comentario Personal.
Daniela: Me parece muy importante que exista un método en la educación musical que considere la actividad del estudiante y sus descubrimientos por sobre el saber. Además, la utilización del cuerpo como instrumento, lo cual propicia el aprendizaje significativo para el niño. Por otra parte, los instrumentos que fueron creados bajo este modelo son parte de la cotidianidad de las escuelas, sin embargo, no tenía conocimiento de que provenían de un método llamado Orff.
Camila: La lectura del texto me permitió conocer un método que desconocía pero que con sus fundamentos me hizo mirar la enseñanza musical desde otra perspectiva. La importancia que el método le asigna al cuerpo, la palabra, los instrumentos y al estudiante como sujeto creador me pareció muy relevante. Además, considero de importancia conocer de donde vienen los instrumentos utilizados en la enseñanza de la música para la educación básica, ya que como profesora es necesario saber que se respaldan en un método y por ende, tienen una justificación que lo sustenta.

A continuación vamos a ver dos videos contextualizados con el método Orff. El primero de un aula con niños y el segundo uno de adultos.

I. Datos del Texto

Título: Los instrumentos En Didáctica de la música.
Autor: Pilar Pascual Año: 2002 Editorial: Pearson.
Capítulo: 11.

II. Resumen.

El texto de Pilar Pascual expone la relevancia de los instrumentos en la educación musical. Se refiere a instrumento a todo objeto que produzca sonido con una intención musical, si ésta no está presente corresponderá a un ruido o vibraciones irregulares. El ser humano ha creado instrumentos desde siempre, sólo que han ido evolucionando hasta el día de hoy.

La autora establece una clasificación de los instrumentos musicales de la orquesta:
Cordófonos: El sonido se produce por la vibración de una cuerda tensa.
Aerófonos: Mediante el aire circulado en una columna, se produce el sonido.
De percusión: El sonido es generado por un cuerpo al golpearse sobre otro.

Distingue como contenido central de la educación la Práctica Instrumental, manipulación de instrumentos, la cual debe ser desarrollada de manera individual y grupal. El motivo de su relevancia es que el estudiante al manipular el instrumento desarrollará una autonomía, pues evaluará su propia calidad de ejecución y juzgará si suena "bien o mal". Además se desarrollará percepción auditiva, discriminación de instrumentos, coordinación motriz, la combinación de recursos junto al instrumento tales como la voz, el cuerpo y el movimiento.

La Práctica instrumental, se enfocará en producciones colectivas, además el maestro debe planificar los instrumentos que les presentará a los estudiantes pues deben estar adecuados a su madurez motora y cognitiva. Se destaca que para la práctica instrumental en la educación musical será central el empleo del cuerpo, la voz e instrumentos musicales.


III. Breve Comentario Personal.

Camila: Me llamó la atención la importancia de la práctica instrumental en educación musical pues no sólo se involucran el dominio de un instrumento musical, sino que contribuye al estímulo y desarrollo de habilidades sociales, motoras y de autonomía, creo que es fundamental considerar esta propuesta de Pascual en nuestro futuro desempeño docente.

Daniela: Destaco que el dominio de instrumentos tiene más allá de un aprendizaje técnico, un estímulo de aprendizajes integrales en los niños, por eso comparto la visión de Pascual de que la práctica instrumental es muy relevante en la educación de la música. También encuentro importante que desarrolla varias habilidades musicales como la percepción auditiva y la discriminación de instrumentos.

¡Compás!

Objetivos:

-Comprender los valores de las figuras rítmicas y elaborar compases de distintos ritmos, demostrando un dominio de la temática.
-Apreciar el valor de las figuras rítmicas a través de la actividad lúdica.

Materiales:

-Un mazo de naipe musical.
-Superficie de apoyo, ya sea mesa o el suelo.
-Lápiz y papel.

Instrucciones:

1. Reúnanse en grupos de tres personas.
2. Jueguen al cachipún para determinar quién será el árbitro de la primera jugada, quienes pierden serán los jugadores.
3. El árbitro reparte cuatro cartas por jugador, decide quién inicia el juego e indica la cantidad de tiempos que tendrá el compás a formar.
4. El jugador 1 lanza la primera carta escogida según su criterio. El jugador 2 repite la acción.
5. La acción anterior se repetirá hasta que se forme el compás y quien se da cuenta de esto debe decir la palabra ¡Compás!
6. El jugador que dijo ¡Compás! Debe percutir con las manos el compás que se formó en la mesa con las cartas lanzadas por los jugadores. El árbitro deberá decir si lo hizo bien o si lo hizo mal, en cualquiera de estos casos deberá justificar su aseveración.
7. Si el jugador percute correctamente pasará a ser el árbitro y si se equivoca el jugador contrario tomará el lugar del árbitro en la siguiente jugada.
8. Se jugará hasta cinco turnos, quien complete la mayor cantidad de puntos gana el juego. Los puntos deben ser registrados con lápiz y papel por el árbitro de turno.
9. Una vez entendidas las instrucciones… ¡A jugar!

*Recuerda respetar los turnos de jugada y cumplir con tu rol con el mayor optimismo y ánimo, ya que todos pueden llegar a ser árbitro.

Datos del Texto

Título: Cómo y por qué enseñar música a los niños pequeños, La revolución creativa propuesta por Murray Schafer.
Autor: Luis Guerrero Ortiz Año: 2009 Editorial: Sin Editorial.

II. Resumen.

Raymond Murray Schafer, es un compositor, educador musical, escritor, ambientalista, académico y artista visual canadiense que destaca en pedagogía por sus innovadoras ideas. En el texto leído se explica porqué la enseñanza de la música debería tener un lugar más significativo en la educación formal y además se expone la propuesta educativa de la música según Schafer.

Para Schafer, la música es importante en la formación de los niños porque “nos eleva de nuestro cautiverio vegetal y permite desplegar de manera más plena nuestra condición humana” (Schafer, 2009, pp. 3). Agrega que la marginalidad de la música en la educación de los niños, representa una distorsión de su identidad y conlleva a consecuencias, como por ejemplo, el deterioro de la capacidad de escuchar, algo que ya es evidente hoy en día.

Por lo tanto, la importancia radica en que las nuevas generaciones necesitan desarrollar la habilidad de reconocer y disfrutar los distintos sonidos de su entorno, distinguiéndolos del ruido, pues así tendrán más capacidad para escucharse y para conectarse con los sonidos de su propia voz o de sus pensamientos.

Schafer también propone la manera de enseñar música a los niños, contextualizada a la cultura contemporánea donde las lógicas configurativas, o cultura donde tanto los niños como los adultos aprenden de sus pares, se encuentran con las prefigurativas, o aquella cultura donde los adultos también aprenden de los niños, y dan orígen a aprendizajes y formas de vínculo social de los niños y jóvenes que dependen menos que antes de los adultos, derivando en mayor grado de autonomía en la exploración del mundo, socialización y educación, conforme a Jurado citado en Schafer, 2009.

Por lo cual la educación debe partir de los intereses de los niños, otorgando instancias de procesos activos, colaborativos y gratificantes. Esta propuesta de enseñanza de la música requiere:

1. Limpiar los oídos y descubrir el paisaje sonoro.

El Paisaje Sonoro es el medio ambiente constituido por el espacio entre el sonido y el ruido, formando una especie de composición universal en la que todos somos partícipes. El desafío es limpiar nuestro oídos y aprender a escuchar el mundo como una composición. En el Paisaje Sonoro hay tres elementos que atribuyen identidad a un lugar específico:

a)Sonidos principales: Nota principal de un paisaje, su percepción puede no ser consciente, es creado por la naturaleza u sonido artificial típico del área.

b)Señales sonoras: Sonidos que de pronto ganan el primer plano y se escuchan conscientemente.

C)Marcas sonoras: Sonido único en un determinado ámbito geográfico, este le da originalidad a la vida acústica de la una comunidad.

El autor también destaca que el paisaje sonoro puede ser de alta fidelidad (hi-fi), los cuales son ricos en información acústica o de baja fidelidad (lo-fi), los que son resultado del predominio de los sonidos más fuertes del ambiente.


Considerando todo lo anterior, Schafer propone una “escuela de la audición” para entrenar la percepción acústica y para manejar los sonidos y ruidos con el fin de aprender a diseñar su propio paisaje acústico. También enseñarles a los niños formular apreciaciones críticas para mejorar y tratar el paisaje sonoro como una composición musical.

En consecuencia, el primer paso para el aprendizaje de la música es descubrir todo lo que podamos sobre el sonido.

2. Descubrir el potencial de los niños para crear su propia música.

A) Producir sonidos. La música es sonido y no se puede enseñar prescindiendo de él, de esta manera se establece como premisa básica invertir el tiempo de clases fundamentalmente en producir sonidos. En el caso de que no se cuente con los recursos de instrumentos musicales abundantes, se puede acudir a todo elemento que reproduzca sonido, aunque sean toscos.

B) Encender la chispa. En los niños se debe encender la chispa de la producción musical, la cual debe ser en un momento oportuno. Esta manera de acercarse a la música supone experiencias de ensayo error,por lo cual el profesor debe enseñar a sus alumnos que los fracasos son más útiles que los éxitos, porque el fracaso provoca ulteriores reflexiones y autocrítica.

C) El papel del maestro. El profesor debe darle a su enseñanza el sello de identidad propia de su personalidad. Además debe estar preparado para ceder protagonismo a los niños en la actividad creativa, pasando él a segundo plano. La clase debe orientarse a la experiencia y el descubrimiento incentivado por preguntas formuladas con intencionalidad, en un contexto donde el maestro se pone en las manos de la clase y trabajan juntos en los problemas. También debe haber libertad en la creatividad pero con ciertas reglas.

D) Convirtiendo la música en un lugar de reunión de todas las artes. Schafer propone una síntesis de las artes, es decir una materia integradora que podría incluir todas y a la vez ninguna de las artes tradicionales en particular, además, plantea no enseñar música de manera fragmentada de toda la experiencia humana.

3. Demandas a las políticas

El autor culmina proponiendo los aspectos a reformar en la educación formal, específicamente dentro del aula, donde la clase se debe transformar en una hora de mils descubrimientos lo que implica un cambio profundo en la noción y gestión del tiempo al interior de la educación formal. Además, la formación musical inicial debe ser capaz de convertirse en un espacio de encuentro de todas las artes y debe haber una genuina explosión creativa de la sensorialidad.

Por lo demás, considera que el currículum debe validar y emplear la pedagogía creativa de Shafer para la enseñanza de todas las disciplinas en la escuela y aprovechar el potencial creativo de las jóvenes generaciones y convertirlos en auténticos innovadores en las artes, las ciencias y las humanidades.

III.Breve Comentario Personal.

Camila Báez: Me llamó mucho la atención la propuesta de Schafer, pero principalmente los beneficios que implican enseñarle a los niños aprender a reconocer y disfrutar los distintos sonidos de su entorno, porque así tendrán más capacidad para escucharse y conocerse tanto a sí mismos como a los demás, y en eso estoy de acuerdo con el autor, porque hoy en día se ha perdido la capacidad de escuchar al otro pues la sociedad, a mi parecer, estimula al individualismo lo que implica obviar lo que digan los demás. Esta habilidad de escuchar es principalmente importante para la educación, pues el proceso de enseñanza y aprendizaje consiste principalmente en que el maestro se detiene en sus alumnos, en cada detalle para conocerlo mejor, para lo cual es vital la escucha.

Daniela Urzúa: Destaco el aprendizaje de la música que propone Schafer, sobre todo la importancia que se le da a todos los niños como potencial artístico, no dice que el talento musical es innato, como otras teorías lo plantean, sino que apuesta a que todos deben aprender a ser creadores innovadores de música y para eso el profesor debe guiar al estudiante a descubrir y experimentar y a crear libremente. Es una postura que valida mucho la capacidad creativa del alumno. También encontré importante que el profesor debe darle un sello de identidad a su enseñanza, un consejo a considerar por nosotras las profesoras en formación.

I. Datos del Texto

Título: El niño, sujeto de la educación musical. Desarrollo evolutivo en relación con la educación musical. En Didáctica de la música para Primaria.

Autor: Pilar Pascual. Año: 2002 Editorial: Pearson Educación. Madrid España
Capítulo: 2.

II. Resumen.

La psicología de la conducta musical investiga “los procesos mentales que se ponen en juego al escuchar e interpretar música” (Barceló, 1988, citado en Pascual, s.f.), sin embargo existen pocos estudios en esta área. El texto leído menciona algunos de los existentes, tales como:

La importancia del sentido rítmico. Establece que el sentido rítmico se manifiesta espontáneamente mediante la expresión primaria que posee el niño, por ejemplo la respuesta motriz de un bebé al reconocer la voz de la madre, y a partir de este movimiento involuntario se desarrollan otro más complejos. Agrega que el efecto del ritmo impacta más en la reacción motora que en la sensorial, de acuerdo a Muller Freienfels 1959. También se destaca lo dicho por Seashore (1938), los tres componentes de las capacidades rítmicas: el impulso rítmico, la capacidad cognoscitiva, la capacidad motora o precisión.

La medida del C.I. de la música. Es un método basado en la observación de la conducta y la aplicación de tests clasificados según edad y dificultad. De acuerdo a Seashore (s.f), citado en el texto, es posible distinguir en las aptitudes musicales y habilidades para cada componente (tono, altura, etc) y elemento (tono, compás, etc) de la música, por lo cual el C.I. de la música puede arrojar habilidades predominantes en cualquier de estos.

¿El músico nace o se hace? De acuerdo a Bentley (1967), citado en el texto, un niño puede nacer dotado de talentos musicales superiores o con muy poca capacidad innata, sin embargo, dependerá de la estimulación del ambiente lo que permitirá el desarrollo de talentos. Considera que la memoria es importante para el desarrollo musical. También cree que influye el autoconcepto, con respecto a la propia valoración de las capacidades que impactan en el desarrollo musical. El autoconcepto se fragua en la familia o con los primeros profesores.

Relación entre música e inteligencia. Gardner (1995), aludido en el libro, introduce la idea de que tenemos inteligencias múltiples y que la inteligencia musical influye más que las otras en el desarrollo emocional, espiritual y cultural del sujeto. También menciona que entre más se estimule mediante la música, movimiento y artes, más inteligente será el niño.

¿De qué modo la música estimula el intelecto y mejora el aprendizaje? La neurología dice que, al hemisferio derecho del cerebro le corresponde la creatividad y la emoción musical, por lo tanto, el profesor debe emplear actividades que involucren este hemisferio más que al izquierdo. Además la audición también se involucra, pues el oído derecho envía los sonidos a los centros del habla con más rapidez que el oído izquierdo.

Diferenciación debida a las variables de sexo. No existen diferencias entre capacidades musicales, sin embargo hay diferencias explicadas por dominancias hemisféricas. Las niñas, con dominio del hemisferio izquierdo,se centran en tocar instrumentos o cantar y son más metódicas con obras musicales y los niños, con dominio del hemisferio izquierdo, se inclinan por la improvisación.




Respecto al desarrollo evolutivo de la educación musical, Pascual toma como fuentes teóricas: Piaget, Gessel, Fraise, Lago, Oriol, Cambell y Barceló. Además distingue ciclos que estructuran actualmente la educación musical, los cuales consideran las etapas del momento evolutivo.

Características del desarrollo evolutivo y musical del niño del Ciclo I de la Educación Infantil (0 a 3 años).

En los primeros estadios, el movimiento rítmico de la música provoca en el niño respuestas musicales.

Antes del nacimiento:Desde Tomatis (1969), a los cuatro meses y medio el oído ya es funcional, permitiendo la audición de sonidos.

Antes de 1 año (8 meses): El bebé responde a la música con una reacción orgánica de respuestas rítmicas posturales y motrices.

18 meses: Se enriquece el sentido rítmico y la respuesta motriz que involucra todo su cuerpo, la expresión lingüística se manifiesta en canturreos o cantos de sílabas y le llama la atención los instrumentos.

2 años y medio: Capaces de distinguir la música del ruido, las canciones y ritmos le incitan al juego y movimiento y se familiariza con letrillas pegadizas de canciones.

Factores decisivos en la etapa de 0 a 3 años: El más significativo es la atmósfera musical, el desenvolvimiento del desarrollo rítmico y el espacial.

Características del desarrollo evolutivo y musical del niño del Ciclo II de la Educación Infantil (3 a 6 años).

Los aspectos psicoevolutivos generales influyen en la psicoevolución musical, pues el desarrollo es un proceso psicológico, social y culturalmente mediatizado.


A) Aspectos evolutivos generales.

Desarrollo Intelectual: Se caracteriza por un pensamiento mágico, definido por la inteligencia prelógica o preoperativa, porque no corresponde a la lógica adulta, además es un pensamiento centrado, pues sólo se fija en un aspecto a la vez. En la comprensión musical no diferencia tiempos, partes o frases. También es incapaz de manipular representaciones mentales con rapidez y flexibilidad para entender las transformaciones.

Desarrollo de la personalidad: El niño expresa sus emociones mediante tres lenguajes (oral-materno, corporal y musical), su autonomía motora le permite realizar diversas actividades de alimentación e higiene, su desarrollo emocional se caracteriza por negativismo y crisis de independencia, es la edad del espejo y descubrimiento del sexo.

Desarrollo psicomotor: Se produce una progresiva imagen de su propio cuerpo, avances en la motricidad fina, entre 5 a 6 años se desarrolla la lateralidad, relevante para la educación musical.

Desarrollo psicosocial: Predomina el juego, no a las reglas (heteronomía), carácter inestable, construye la imagen de sí mismo, los aprendizajes son mediante la acción e imita al adulto.

Las finalidades educativas se centran en proporcionar experiencias, educar y guiar el desarrollo, nivelar las carencias, aprovechar al máximo potencialidades de desarrollo psicomotor y en general, asegurar el dominio de la representación del cuerpo y coordenadas espacio-temporales.

B) Aspectos psicoevolutivos en relación con la educación musical.

El niño pasa de lo exploratorio a lo repetitivo. A los 3 años, respecto a la expresión, hay mayor precisión y control motriz, sigue el compás y ritmo de la música con el cuerpo, entona pequeñas canciones e inicia el gran desarrollo lingüístico.

Referente a la percepción, capta e intenta practicar un fragmento de música, diferencia valores de negra y corchea, inicia reconocimiento de melodías simples. A los cuatro años, la expresión se refleja en mejora de movimiento, expresión de ideas y sentimientos, mayor afinación de la entonación, en grupo lleva el mismo compás, controla su voz y le gusta cantar, dramatizar e inventar cancioncillas. Respecto a la percepción, no tiene conciencia de simultaneidad sonora, confunde elementos de la música, aumenta memoria auditiva y al canto se adiciona un tono de burla. Y a los cinco años, ya casi ha construido su yo corporal, muy importante para la conducta musical.

Características del desarrollo evolutivo y musical del niño del Ciclo I de la Educación Primaria (6 a 8 años).

Se reconocen clasificaciones en relación con la música, la Primera Infancia (6 a 9 años) y la Segunda Infancia (9 a 12 años).

A) Aspectos evolutivos generales.

Respecto a la personalidad, aumenta la pertenencia al grupo y disminuye la dependencia del adulto, hay una separación entre chicos y chicas, se concientizan e interiorizan las normas y preceptos, críticas personales y el sentido del trabajo y mantiene cierto egocentrismo. En el desarrollo intelectual, está en las operaciones concretas,es decir, puede considerar dos dimensiones a la vez.

B) Aspectos psicoevolutivos en relación con la educación musical.

La expresión se manifiesta en riqueza de expresión vocal, le agradan canciones con sencillos argumentos, mayor desarrollo rítmico, acelera tiempos rítmicos, interpreta instrumentos de percusión escolar y reconoce duración de figuras.

Referente a la perceprción, manifiesta actitud receptiva ante lo musical, acepta el lenguaje musical, reconoce tonalidades simples, gran actitud de imaginación musical y nace la contemplación musical. Además es la edad para iniciar el Preparatorio de los Estudios Musicales.

Características del desarrollo evolutivo y musical del niño del Ciclo II de la Educación Primaria (8 a 9 años).

A) Aspectos evolutivos generales.

Se manifiesta un afán por la socialización, desea agradar tanto a los adultos como a los compañeros, paulatinamente inicia a consolidar su identidad, nace el criterio moral, busca identificación con padres de su mismo sexo imitando conductas, personalmente hay una mayor separación entre niños de niñas, el niño debe alcanzar su autoestima, opta por riesgos y aventuras. Intelectualmente, es mucho más lógico y realista, desaparece la centración, aumenta la capacidad de abstracción. En el aspecto psicomotor, se completa el desarrollo neurológico y la relación entre los dos hemisferios cerebrales, esto permitirá la interpretación de instrumentos escolares, ha adquirido mayor lateralidad y noción espacio- temporal.

B) Aspectos psicoevolutivos en relación con la educación musical.

Respecto a la expresión, hay maduración motriz considerable para tocar instrumentos, carácter de extraversión e hiperactividad, gustos por instrumentos de percusión y trabajo grupal, elabora composiciones musicales, mayor sentido rítmico, es la edad de oro para la voz, pues si se trabajó bien previamente, ahora se apreciarán los frutos.

Características del desarrollo evolutivo y musical del niño del Ciclo III de la Educación Primaria (10 a 12 años).

A) Aspectos evolutivos generales.

Influyen poderosamente el grupo de amigos y la música que escuche en radio o TV, hay una muda de voz que dificulta la educación vocal por lo cual prefieren prácticas grupales e instrumentales. El desarrollo de las actitudes es cooperativo y/altruista, se aprecia la autonomía y el acuerdo social, cierta inestabilidad emocional afectiva, el gran logro social es la “Pandilla” donde se desarrollan lazos de amistad que influye en el autoconcepto. De 10 a 11 años, se ha consolidado la educación psicomotora y las nociones espacio- temporales. Intelectualmente, denota una visión objetiva del mundo y de sí mismo, construye abstracciones y conjuntos de nociones físicas y matemáticas, su pensamiento es más analítico, aparece la curiosidad intelectual y la sistematización y se gestan habilidades metacognitivas, o sea el conocimiento de los propios procesos cognitivos.

B) Aspectos psicoevolutivos en relación con la educación musical.

Respecto a la expresión, se manifiestan las diferencias sexuales en que los niños realizan actividades rítmicas motrices diferentes a las niñas, las canciones no deben tener necesariamente un componente lúdico, cantan canciones mediatizadas, reproducen pasos bailables, distinguen los valores de la “Partitura 2.4”.

Referente a la percepción, se desarrolla la memoria melódica y armónica, manifiesta curiosidad por vida de compositores, mayor interés por música popularizada, busca variedad de estilos y géneros y en conclusión el medio ambiente ejerce mucha influencia sobre el gusto infantil.

III.Breve Comentario Personal.

Daniela Urzúa: Destaco la gran influencia que tiene el desarrollo evolutivo en el desarrollo musical, pues está completamente condicionado por los logros intelectuales, sociales y psicomotores que el niño desenvuelva en cada etapa, de esto se deprende que un educador que enseñe música debe tener un pleno conocimiento del desarrollo evolutivo conforme al sujeto pues si le exige una actividad que le demande habilidades no adquiridas, probablemente le provoque un trauma o una mala experiencias, lo cual afectará en su autoconcepto. Además el conocimiento que tenga el profesor es fundamental, pues tiene la responsabilidad de estimular los aspectos correspondientes a la etapa que esté viviendo el sujeto, también este conocimiento es central para la planificación de actividades pues debe considerar potenciar al máximo las capacidades del niño y estimular la mayor cantidad de aspectos del desarrollo.

Camila Báez: Me llama la atención que en la psicología de la conducta musical no existan abundantes estudios, conforme a lo destacado por el texto, pues es un aspecto del ser humano relevante y fomentador del desarrollo del niño. Por otro lado, considerando que la inteligencia musical tiene mayor influencia en el desarrollo emocional, espiritual y cultural del sujeto, creo que si esto se considerara más, habría un mayor valor hacia el subsector de música, tal vez hace mucho tiempo, en Chile, se habría incluido en el currículum como una asignatura apartada de artes y de carácter obligatorio en la enseñanza media. También encuentro importante el factor de atmósfera musical mayoritariamente influyente en el desarrollo musical, pues este incrementará el desarrollo de inteligencia musical, por lo cual el docente tiene una alta responsabilidad de planificar su clase con gran énfasis en este punto y ojalá lograr que los padres se concienticen de que ellos también impactan en el desarrollo del sujeto, pues son parte central desde los cuatro meses y medio de gestación.

I. Datos del Texto.

Título: ¿Porqué los niños deben aprender música?
Autor: María Victoria Casas

II. Resumen.

El capítulo comienza exponiendo que el aprendizaje de la música genera mejoras en el aprendizaje de la lectura, lengua, matemáticas y el rendimiento académico en general. La autora además cita a Gardner, quien afirma que la música estructura la forma de pensar y trabajar que tiene el sujeto, ayudándolo en su aprendizaje.

En teoría de inteligencias múltiples, Gardner define la inteligencia como “capacidad que tiene el individuo de resolver problemas, o de crear productos que sean valiosos en uno o más ambientes culturales”. De esta manera las inteligencias dependen de factores: Genéticos, ambientales, relacionados con la integridad cerebral. Otros psicólogos tienen distintas visiones en relación a la inteligencia, sin embargo, Gardner considera que para abarcar la cognición humana es necesario incluir un amplio repertorio de aptitudes y propone las siguientes inteligencias: lingüística, lógico-matemática, musical, espacial, cinestésico-corporal, dos formas de inteligencia personal (una hacia los demás y otra hacia la propia persona).

En relación a la inteligencia musical:

-La música es una facultad de la especie humana y se asocia con lo cultural del individuo.
-La actividad musical se halla en el hemisferio no dominante, pero al intensificar el trabajo musical, se activa la participación del hemisferio dominante.
-El estudiante de música o profesor puede componer, interpretar o escuchar. Para lo cual debe contar con el componente afectivo, sensorial y formal.
-El proceso educativo contempla tres planos, el cognitivo, afectivo y psicomotor.
-El desarrollo musical entre los 3 y 15 años pasa por niveles: manipulación sensorial, imitación, interpretación imaginativa y reflexión.

Por otro lado, en cuanto a la capacidad de evocación: la música contribuye en el sentido del ritmo que incide en la formación física y motora del niño (equilibrio, lateralidad y motricidad). Las dimensiones del desarrollo que estimula la música son la motricidad, lenguaje, socialización, conciencia de espacio y tiempo, autoestima.
Otras ideas que propone la autora:
-Según el método Suzuki el esfuerzo y la actitud importa al tocar frente a otros, por tanto es preciso dar la oportunidad a los niños de tocar en grupo y en público.
-La enseñanza auditiva debe considerar lo fisiológico, afectivo y mental.
-La motricidad tiene énfasis en las habilidades motoras del niño y pueden ser relacionadas con la música, como el ritmo que está presente en las actividades humanas.
-Por otro lado, la práctica musical contribuye en la autoestima social, afectiva, académica y ética.
-Todos los niños pueden iniciarse en la música, frente a esto existe el mito del talento. No obstante, se requiere un adecuado estímulo, orientación y trabajo permanente.
-Hay factores que influyen en que se forme un músico: las experiencias musicales en la infancia, altos niveles de prácticas, alto y adecuado nivel de apoyo familiar, profesores agradables y que dieron divertidas clases en los primeros años y la oportunidad de experimentar respuestas emocionales profundas a la música.

Finalmente, dejamos un video para compartir... Si bien el audio no es el mejor, la idea que se presenta es muy potente y clarificadora de la teoría de las inteligencias múltiples.

¡Vamos a verlo! http://www.youtube.com/watch?v=ieQRZVf6qKA




III. Breve Comentario Personal.

Daniela: El texto me parece muy clarificador en cuanto a porqué debemos enseñar música, si bien esta área del conocimiento tiene un fin estético también ayuda en el aprendizaje de otros conocimientos como las matemáticas, el lenguaje y también áreas del ser humano como lo afectivo, social, espiritual y otros. En este sentido, considero muy potente el valor que María Victoria Casas le da a la música.
Además, creo que se hace un especial reconocimiento a la teoría de las inteligencias múltiples, la cual nos permite que como docentes consideremos las diversas habilidades que pueden tener los estudiantes y dejar de lado esa visión tradicionalista que valida solo ciertas aptitudes. Respecto a esto la lectura nos plantea un gran desafío en relación a como trabajar y proponer diversas actividades en el aula intentando abarcar la mayor cantidad de inteligencias que existan.

Camila: Creo que el texto de María Victoria Casas plantea un tema muy importante que apunta hacia una educación integral para el niño, lo cual me parece clave desde una mirada que integra las distintas áreas del conocimiento y etapas de desarrollo. Este planteamiento se clarifica además con la teoría de las inteligencias múltiples, la cual creo que debe ser considerada totalmente en el aula por los profesores, para así generar espacios de aceptación para las diferencias que subsisten en el contexto escolar.
Me llama la atención la valorización que la autora propone frente a la música dando los argumentos necesarios para considerar la importancia que esta tiene, frente a la desvalorización que existe actualmente frente a la música.

Autor: Janet Mills

Título: “La música en la enseñanza básica”.

Capítulo 1: “Los profesores de enseñanza básica y la música”.

Año: 1997


II. Resumen:

Mills plantea que la música tiene un lugar en la educación básica, el cual se relaciona con la formación de los niños y una experiencia activa en donde ellos componen, interpretan y escuchan. Estas actividades son claves para desarrollar la musicalidad y que posiblemente algunos alumnos escojan carreras relacionadas con la música. Además propone que la música es apta para todos los niños y también para todos los profesores, inclusive Mills dice que lo ideal es que los niños estudien música con sus profesores habituales, más que con lo que son especialistas en música. Así, el especialista podría estar a cargo del departamento de música y podría dar preparación y apoyo adecuado a los profesores que no tienen la especialización.

Se afirma que la música debe ser una actividad agradable, lo cual no tiene que confundirse con una entretención o una atmósfera de fiesta, sino que el proceso de trabajo con la música sea agradable y pueda llegar a algún valor. En este sentido, no hay que ver la música como un deber sino como algo que las personas hacen para su bienestar, para sentirse mejor.

III. Breve comentario personal:

Daniela: Me sorprendió el planteamiento del autor, ya que desde otras teorías siempre se nos menciona que el profesor debe ser experto en la disciplina a enseñar, por tanto se contradice con lo que propone Mills. En este sentido, creo que es necesario que el profesor tenga un conocimiento acabado del área que enseña, ya que para los niños el profesor es quien enseña, guía el proceso de aprendizaje y puede responder las dudas que surjan en el aula. Desde esta perspectiva creo que este debería tener la mayor claridad y precisión conceptual.

Camila: No estoy totalmente de acuerdo con Mills, ya que el profesor debe tener un desempeño flexible en el área a enseñar para así poder entregar distintas metodologías de enseñanza a los niños conforme a sus formas de aprender. Conforme a esto, no tiene cabida el plateamiento del autor. Sin embargo, creo que hay contextos socioculturales en los que no se cuenta con un especialista por cada área, en estos casos creo que es importante que el profesor a cargo investigue y estudio sobre música si no tiene los conocimientos apropiados para entregar a los niños.

Fundamentos didácticos en las áreas curriculares.

Didáctica de la expresión musical.

I. Datos del Texto
Título:Fundamentos didácticos en las áreas curriculares. Rico, Luis y Daniel Madrid.
Autor: Julia Bernal y María Luisa Calvo
Editorial: Síntesis, Madrid, España.
Año: 2000
Capítulo: V.

II. Resumen.

El texto describe principalmente la Educación Musical y su organización curricular en España, realidad que tiene cierta semejanza con la organización la organización curricular en Chile.

Inicia planteando los objetivos de la Educación Musical,los cuales son, el preservar y reforzar las tradiciones musicales, pues son la identidad de una cultura y asegurar a los estudiantes la experiencia de un proceso armonioso de desarrollo.

Prosigue indicando el significado, Música tiene muchas acepciones pero el más difundido es “el arte de combinar sonidos”. Se menciona el orígen de la Música el cual, a pesar de existir teorías, no es posible precisar su nacimiento.

Respecto a su historia, a Música y sus componentes siempre se ha relacionado con el ser humano, en pueblos primitivos se observa el empleo de melodías simples y en civilizaciones antiguas como Japón, India, Mesopotamia, Egipto se desarrolla como medio de expresión espontánea, presente en rituales, cultos religiosos, situaciones de alegría y con una transmisión oral. En Grecia alcanzó un esplendor, pues era el centro de la sociedad y fue incluida en el sistema educativo.

A lo largo de las distintas épocas tuvo diversos lugares de importancia, crisis, transformaciones y renovaciones. La Música moderna se destacan por los diversos estilos de como electrónica, popular, jazz, entro otros.

La Didáctica es el marco de referencia para la Educación Musical, se diferencian la Didáctica general o el conjunto de conocimientos didácticos aplicables a todos los sujetos y la Didáctica Especial aplicada a cada disciplina. La Didáctica de la Música tiene un carácter interdisciplinar entre Música y Didáctica General y su función es descubrir métodos, técnicas, procedimientos y formas de enseñanza para percibir y expresarse mediante la música.

A finales del siglo XIX, nacen las Escuelas Nuevas, que buscan formar un sujeto integral, la Música se pretende enseñar mediante un método activo en un ambiente de juego, alegría y confianza que dé paso a la creatividad.

En el sistema educativo español, la Música se enseña desde el nivel preescolar (0- 6 años), en este nivel se educa en el ámbito curricular de Comunicación y Representación. Los objetivos son: formar al niño mediante la música, que se apropie de la cultura y tradiciones y disfrute de la actividad musical, formarlo como un espectador y productor de este arte, y sobre todo que aprenda a usar su voz como instrumento y el propio cuerpo como medio para moverse con ritmo. La secuencia de objetivos y contenidos se desarrollan en los dos ciclos, en el primero se descubre y utilizan las propiedades sonoras y en el segundo profundiza la utilización y amplia la expresión de emociones, es decir acercamiento a la Música.

En Educación Básica, Música se imparte como asignatura obligatoria, el currículum incluye el Área de Educación Artística, la cual comprende expresión plástica, musical y dramática. Expresión musical se divide en el desarrollo de la percepción musical, es decir el desarrollo de la sensibilización a sonidos musicales, y la expresión y elaboración musical. La Educación Básica se divide en tres ciclos: Primer ciclo 6-8 años, Segundo ciclo 8- 10 años y tercer ciclo 10 a 12 años y los contenidos se distribuyen en bloques, en nueve se incluye Música los cuales forman el conjunto de contenidos musicales, tales como “Canto, Expresión vocal e instrumental”, “Lenguaje Musical”, entre otros. Además se desarrollan contenidos conceptuales, procedimentales y actitudinales.

En la Educación Secundaria Obligatoria, en los cursos de primero y segundo es asignatura de Educación Musical es obligatoria y en tercero opcional. Se desarrollan las capacidades de percepción y expresión conjuntamente perfeccionando el uso de la voz, habilidades instrumentales y la disposición para el movimiento y la danza. La Música se enseña en contenidos organizados en seis bloques como Expresión vocal y canto, entre otros, los objetivos se ligan a los objetivos para desarrollar y ampliar las destrezas básicas con un tipo de evaluación formativa, cualitativa, personalizada, autoevaluación y coevaluación. En general, el área de la música se agrupa en lenguaje musical, concepto de estética y relación social para llegar a participar en la vida musical como oyente o ejecutante.

Continuando con la formación musical, el nivel que sigue a la Educación Obligatoria es el currículum musical en el Bachillerato, el cual pretende ampliar la capacidad de percepción y autonomía, para abordar con mayor profundidad el conocimiento musical, principalmente mediante la audición e investigación, este es un programa que dura dos años para jóvenes entre los 16 y 18 años.

El texto culmina con una síntesis de la Música en la Universidad, la primera institución universitaria en impartir su enseñanza es la Universidad de Salamanca en 1924. Posteriormente hubo una proliferación de enseñanza universitaria y luego experimentó una decadencia, incluso en 1842 desaparece la última cátedra de Música existente en la Universidad de Salamanca, recién en 1943 resurge la enseñanza y en 1988 se imparte Didáctica de la Expresión Musical con el objetivo de formar un profesional con formación musical para transmitir y desarrollar la sensibilidad musical. Posteriormente, se incorporan métodos activos en la enseñanza de la música, que buscan tratar prácticas y percepción en la formación del maestro.

A continuación un video de niños ejecutores de música. VIDEO.


II. Breve Comentario Personal.

Daniela: Creo que es importante destacar que la Educación musical sea obligatoria en preescolar y hasta segundo año de escuela secundaria,en el caso de España, pues se otorga una instancia de desarrollo de habilidades musicales necesarias para apreciar y elaborar música y también ayuda a los estudiantes a evaluar la continuación de estudios en el área.

Con el texto también comprendí que la educación docente en el área de música para el nivel de básica, en España, se enfoca a preparar profesores no con profundos conocimientos sino que sean capaces de desarrollar las habilidades, lo que permite concluir que todo profesor puede prepararse para enseñarla,aún no siendo esta su mayor especialidad.


Camila: Respecto al texto, destaco la influencia que ha tenido la Música en la historia de la humanidad, como se planteaba al principio del texto, no es posible determinar su orígen pero sí se puede afirmar que ha estado presente desde siempre en los seres humanos y al igual que hoy en día, es un medio único de expresión de emociones que cuenta con su propio lenguaje.Por lo tanto, una ciencia de profundo aporte a la formación de un sujeto.

A partir de lo leído también pude comprender que la Educación Musical no ha estado siempre, sólo Grecia era la civilización antigua que enseñaba música, pero a mi parecer es esperable que todas las culturas le den un lugar reconocido, sin embargo como se apreciaba en el texto, no es así, pues hubieron períodos en la historia que desaparecieron las instituciones de estudio de la Música. Por eso creo que es muy importante la evolución que ha tenido y el aumento de importancia que se le ha dado, sin ir más lejos, hace poco el Ministro de Educación de Chile dijo que Artes Musicales sería una disciplina aparte que Artes, ojalá se concretice para impactar más a las próximas generaciones y hacer de la Música una disciplina más reconocida aun.

“La música en el plan de estudios de la escuela moderna”

I. Datos del Texto.

Título: "La música en la educación infantil"
Autor: Robert L. Garretson
Año: 1980
Editorial: México: Diana
Capítulo: “La música en el plan de estudios de la escuela moderna”

II. Resumen.

En primer lugar en el texto se plantea la utilidad de la educación musical en el plan de estudios. Hay maestros que no han considerado las reales utilidades aceptando a la ligera otras utilidades. En relación a estas se mencionan las siguientes:

-Utilidades estéticas y expresivas: La estética es el estudio de la belleza en el arte y la naturaleza y la educación estética es la principal tarea del educador de música. Por tanto, la escuela debe ampliar la base de la experiencia musical refinada, es decir, experiencias musicales que no son cotidianas. Por otro lado, el ser humano no puede expresar todo a través del lenguaje, por lo que ciertos aspectos son expresados a través de la música, las artes visuales y la danza. Es necesario que el sujeto se exprese creativamente.

-Utilidades culturales y en relación a la persona y sociedad: La música es parte integral de las culturas. Además, se plantea que los docentes deben ayudar a que los niños descubran sus aptitudes y por ende alcancen seguridad en sí mismos, por tanto una de las experiencias a incluir debe ser la música. También, se afirma que una de las utilidades son los beneficios físicos (postura y respiración abdominodiafragmática) y la capacidad que tiene para reducir tensiones y generar la atmósfera necesaria para reanudar el estudio. Finalmente es útil para la formación de entes sociales que aprenden normas sociales.

-Utilidad terapeútica de la música: Se utiliza la musicoterapia como tratamiento curativo en distintas instituciones y puede ayudar a los niños de distintas formas, como por ejemplo a remediar problemas en el aprendizaje, aprender interacciones sociales adecuadas, corregir problemas perceptivos y motores, entre otros.

Una de estas instituciones podría ser los hospitales, en donde se trabaja con musicoterapia. Para reflexionar en torno a este tema se propone visitar el siguiente blog
En este destaca estas imágenes que quisiéramos compartir.

Continuando con las ideas del autor, también se menciona que hay escuelas públicas que incluyen musicoterapeutas, y escuelas de música que además de ofrecer la maestría en educación musical forman en musicoterapia.
Por otro lado, se mencionan las valoraciones profesionales y extraescolares, en las que se puede encontrar los intereses extraprofesionales, las elecciones paravocacionales y si se quiere que la música permanezca en la cultura se debe enseñar a los niños habilidades y nociones básicas y que ellos puedan considerarla como una de las posibles ocupaciones que podrán desempeñar.
Finalmente, se plantea la relación entre utilidades y tipo de actividades, explicando que las utilidades estéticas de la música tienen importancia en el programa educativo escolar, pero no necesariamente en situaciones sociales en que se utiliza la música.

III. Breve Comentario Personal.

Daniela: Creo que como profesoras es necesario considerar las utilidades propuestas para ser aplicadas en la escuela, ya que es muy importante tener claridad conceptual de aspectos como este para posteriormente llevarlos a la práctica. Sin embargo, concuerdo con el autor en que la educación estética es la tarea primordial del docente que enseña música, ya que este arte debe ser apreciado por sí mismo sin fines instrumentalizadores de por medio, para que así los niños disfruten y valoren estéticamente la música. Al considerar este supuesto como base todo lo demás que se propone puede ser válido, siempre que no se pase por alto este aspecto que tiene tanta importancia.
Además, me hace mucho sentido que para preservar la música se debe dar la oportunidad a los niños a que la exploren y puedan considerarla como una profesión y/o ocupación para sus vidas. Esto porque ellos son las nuevas generaciones, y si coartamos esta posibilidad, ¿Quién se hará cargo de transmitir este aspecto vital de las culturas?

Camila: La lectura de este texto ha sido central para comprender que el profesor debe enseñar música considerando las utilidades que propone el autor. Eso me permitió entender que la música se relaciona con otras áreas, por tanto es posible lograr una enseñanza de carácter integrador. Además, la música puede ponerse al servicio de diversos objetivos que se quieran lograr, ya se dentro como fuera del aula.
Por otro lado, lo planteado por el autor en cuanto a que debemos enseñar música para así preservar una parte de nuestra cultura me deja un poco inquieta, ya que este supuesto no es considerado en la realidad y cada vez surgen prácticas que lo dejan más de lado.